Блог пользователя lebedeva100

Как превратить свою идею в реальное произведение искусства? Идея сама по себе даёт мощный импульс, вдохновение или просто желание что-то сделать. Но чтобы идея стала реальностью, нужно приложить немалые усилия. Под натиском повседневной суеты, сопротивления может быстро угаснуть и вдохновение. У любого проекта есть начало, середина и конец. В начале появляется желание что-то создать, воплотить замысел. Середина - это когда художник приступает к работе и начинает решать задачи. Это может быть серия тестов, экспериментов, поиск разных вариантов идей. В этот период, чаще всего, наступают сильнейшие сомнения, с которыми нужно справиться. Конец - это когда вы ощущаете, что достигли своей цели, чувствуете уверенность. Результат может быть победой, ничьей или поражением, но любое действие всегда будет уроком и источником нового опыта

Чтобы написать картину, нужен подрамник, холст, степлер, грунт, кисти, мастихины и краска. Когда художник подходит к чистому холсту и приступает к созданию картины, идея начинает приобретать форму. Художник видит потенциал в каждом новом мазке и, благодаря краске, вырисовывается целый мир. Работа над картиной становится процессом, борьбой с краской, сомнениями внутри и попыткой услышать голос своей интуиции. Внезапно художник начинает видеть в материале не то, что было прежде, открывая новые для себя цвета, вдыхая жизнь в каждый нанесённый мазок. Густота краски, тоже сильно влияет на результат. В процессе картина может меняться и открываться несколько раз, пока художник не остановится. Художник ищет нужный момент, чтобы остановиться и понять, когда у картины появилась душа. При работе над картиной не всегда можно всё предусмотреть и держать под контролем. Иногда изображение начинает диктовать свои правила и преобразовываться во что-то другое, обновлённое. Происходит алхимия, мистический поиск познания материала, когда появляется мощь и сила в картине. Конечный результат получается не таким, как задумывалось, он может превзойти ожидания. Так на холсте рождается сущность произведения, и картина начинает жить своей жизнью. Люди, пришедшие на выставку и вглядывающиеся в картину, найдут для себя свою трактовку произведения, и картина начнёт жить, впитывая в себя новые смыслы людей, пришедших на выставку. Получается, что творческий процесс продолжается и после того, как картина закончена, со временем она обретает новые смыслы с каждым новым взглядом раскрывается по-новому

Искусство может быть воплощением красоты и эстетики, а также мощным инструментом для преобразования человека. Погружаясь в искусство, мы начинаем видеть мир по-новому, менять своё восприятие. Для художников, коллекционеров и обычных зрителей искусство может стать импульсом для личного роста. При помощи искусства можно преобразовывать пространство вокруг, создавать уникальную среду, наполненную смыслом. Художник, воплощая свои произведения, постоянно трансформируется сам. С каждой новой картиной он глубже погружается в то, что у него лучше всего получается, ищет новые идеи, преодолевает инерцию и апатию. Искусство позволяет нам войти в контакт со своим подсознанием. Оно помогает раскрыть свои чувства и мысли, которые мы часто не замечаем в повседневной жизни. Художники воплощают в своих работах то, что их цепляет, свои переживания, идеи, мечты. Создавать сложные и глубокие работы нелегко, это требует усилий и терпения. Но, именно, преодоление сложностей ведет к росту. Через своё искусство мы меняемся к лучшему.
Озарение, которое приходит при посещении выставки и созерцании произведений искусства может сформировать новые взгляды на жизнь. Настоящее искусство способно менять нашу жизнь, расширять кругозор. С его помощью мы можем узнать и другие точки зрения. Оно бросает вызов нашим представлениям и ценностям. После похода в театр, просмотра фильма или прочтения книги человек может измениться, так как его взгляды и восприятие расширятся. Искусство может быть мощным инструментом преобразования жизни. Каждый из нас имеет возможность погрузиться в искусство, открыть новые горизонты и стать лучше.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Сегодня я хочу поделиться с вами своим особенным опытом и размышлениями о том, как создавать визуальные медитации. Когда я пишу картину, она помогает мне лучше понять свои чувства и эмоции. При подготовке к картине я стараюсь слушать себя и свой внутренний голос, погрузиться в созерцание цвета и варьировать линии. Какого цвета могут быть те или иные чувства? Работа над картиной погружает художника в умиротворенное состояние, каждый мазок может успокаивать. Когда вы начинаете доверять своей интуиции и своим чувствам, выражая через мазки радость, грусть, злость, обиду, работа над картиной становится исследованием своих эмоций. Я даю возможность этим чувствам выйти наружу, так можно понять свои внутренние состояния и переживания. Палитра оттенков - это изучение настроения: яркие, насыщенные, красные, оранжевые такие цвета часто асоциируются с активностью или мягкие пастельные, они могут означать спокойствие и нежность. Когда мы пишем картину, мы можем абсолютно безопасно проживать любые эмоции. Когда мы погружены в работу, в процесс создания картины, мы чувствуем каждое движение кисти. Когда мы сосредотачиваемся на движениях кисти или мастихина, можем обнаружить, что наше восприятие меняется, время растягивается. Это похоже на некий транс, когда остаёмся только мы, наедине со своей работой. Именно так холст, кисть и краска могут стать способом восстановления после тяжёлого дня. Даже те чувства, которые мы считаем неприятными, тоже нужны, потому что они - часть нас. Творчество может быть способом исцеления, медитативным, гипнотическим и иметь такое же воздействие на зрителя. Получаются картины, которые могут погрузить человека в размышления, медитативное переживание. Так я учусь не избегать чувств, а выражать и исследовать их. Перед началом работы сделайте глубокий вдох, отпустите всё напряжение, оставьте беспокойство и доверьтесь процессу. Ваша картина - это ваша энергия. Творчество может стать духовным путешествием. Приглашаю вас, тоже попробовать.

Привожу в пример художников, которые использовали подобную концепцию:

Марк Ротко создавал картины для глубокого эмоционального переживания. Его картины вызывает состояние погружения и способствует медитации.

Герхард Рихтер. Его картины - это погружение в чистое восприятие цвета. Также он использует размытие краски для создания плавных переходов и мягких форм.

Василий Кандинский считал живопись способом выражения своего духовного мира.

Дни перед переездом были наполнены ожиданием нового дома и мастерской. Когда я переезжала в свою первую мастерскую, мне было 18 лет, она находилась за городом, в семнадцатиэтажном доме, мастерская располагалась у меня в квартире. В одной комнате я писала картины, в другой комнате - сушила их на полках . Квартира находилась на шестнадцатом этаже и за окнами был изумительный вид на реку Десну и на живописный лес. Ради этого вида я и решила приобрести эту квартиру. Лес из окна казался бесконечным, В далеке, когда не было тумана можно было увидеть Останкинскую башню. Для меня это было абсолютно новое пространство, новый город, под который мне пришлось подстраиваться. Я въехала в квартиру без ремонта с серыми бетонными стенами. Ремонт отнимал много сил и отвлекал от творчества, а мне очень хотелось продолжать творить и создавать картины. Мне помогали делать ремонт, но основное я сделала сама своими руками: красила стены, потолки, шпаклевала и очень от этого уставала. У ремонта были свои плюсы, например полная свобода самовыражения. Я могла покрасить стены белой водоэмульсионкой, а потом снова заштукатурить всё ротбантом, сделав стену из серого бетона. Я хотела создать акцент на грубых материалах в индустриальном стиле: так, было намного интереснее. Также меня очень вдохновляла атмосфера фильма "Зеркало" Тарковского и у меня возникло желание привнести что-то из него в свой дом. В фильме есть кадр, где Маргарита Терехова стоит на фоне золотой стены. Одну из стен в своей комнате я покрасила в золотой цвет, как в кадре из фильма. Золотая стена стала прекрасным элементом декора моей квартиры. Первое время мне было очень трудно привыкнуть к ремонту и отсутствию денег. В этой квартире я пребывала в одиночестве и молчании, размышляла, медитировала, представляла свою будущую выставку и новые картины. Мне хотелось создать такие картины, которые могли бы поразить даже меня: большие, мощные, сильные, впечатляющие. Два года шёл ремонт, а мои идеи оставались незаконченными, у меня никак не получалось приступить к новой серии картин. Во мне накопилось чувство неудовлетворенности и, даже, разочарования и в какой-то момент пришло осознание того, что пора взять себя в руки и перестать откладывать свои мечты. Тогда начался мой творческий путь, как художника, уже в новой мастерской. Мне помогли заказать подрамники у художников, которые и сейчас их делают на Бауманской в размере 100 см на 120 см, холст из льяной ткани. Я грунтовала и натягивала холст на подрамник, экспериментировала с красками и идеями. Во время ремонта я вынашивала свой новый проект. Мне пришлось собрать все свои силы и сфокусироваться на идее "Иррациональные портреты" великих людей. К этой серии я сделала множество набросков и выкрасов, мне хотелось написать многослойные впечатляющие портреты, женские и мужские, со своим внутренним миром будто из другой, параллельной реальности. Тогда я только начинала преодолевать свой тупик, связанный с ремонтом. Именно когда шёл ремонт я уже всем начала говорить, что хочу персональную выставку своих работ. У меня была внутренняя уверенность, что выставка обязательно состоится и было сильное желание писать картины. Я хорошо запомнила тот день, когда у меня начало получаться. Это была зима сугробы по колено, я вышла на утреннюю прогулку к реке Десне с фотоаппаратом. Снег блестел, было очень холодно и светило солнце, небо было синим. В этот день я пришла домой и написала картину "Бетховен". Эта картина стала отражением моего внутреннего отношения к музыке, к великому композитору. Я стремилась передать мощный дух композитора. Эта картина - моя первая большая работа в моём творчестве, и она занимает особое место в моём сердце.
Затем постепенно за полтора года создала серию портретов, которая была представлена на моей первой персональной выставке "Жар творчества".
Были и приятные моменты, например я любила устраивать итальянские вечера с фильмами Фредерика Феллини или других режиссёров, с помидорами черри и моцареллой. Я зажигала свечи, пила чай, иногда, смотрела, понравившиеся фильмы по два раза, наслаждалась свободой.
В мою квартиру приезжали разные люди смотреть картины, говорить об искусстве. Там побывали фотографы, архитекторы, стилисты интерьера, галеристы, поэты и режиссёр, который, даже, хотел снять фильм о трёх творческих девушках, одна из которых разрабатывала образы в стиле двадцатых годов и писала сценарии, вторая - поэтесса, а третья художница. Люди приезжали не просто в гости, а именно в выставочное пространство, очень много творческих людей было в этой квартире.
Выходя из дома на разведку, я старалась искать новые кафешки магазинчики, стройматериалы, покупала посуду уютные фарфоровые чашки. Одевалась я тогда в своём стиле, мне нравилось копировать персонажей из фильмов, например из "Воображариум доктора Парнаса " или "Алиса в стране чудес". Это был свободный яркий стиль: полосатая юбка, жёлтая жилетка, кулон с часами, кольца с цветными камнями - так выражалась моя любовь к необычным вещам.
Когда наступало лето я выезжала на пленэр писать иван-чай, золотую розгу, дикие полевые цветы. У меня было желание погрузиться в одиночество, в свой мир и в нём я достигала гармонии. Темы, которые зародились в тот период я продолжаю использовать и сейчас в своём творчестве. В то время мне нравилось фотографировать. Я гуляла по полям по детским заброшенным лагерям и санаториям, делала там фотосессии, вела дневник, в котором записывала события, происходившие со мной за день, вела архив своей деятельности. Постепенно получилось создать пространство сочетающее в себе дом мастерскую и галерею это было место, где каждый уголок был наполнен творческой энергией и атмосферой искусства.

Утром, когда я приезжаю в свою мастерскую, открываю дверь и чувствую запах льняного масла, вижу, как прислонившись к стене, стоят большие картины и приготовленный холст для работы. На стене есть выделенное место, где скотчем наклеены заметки к моим будущим работам. Перед написанием картины я могу сказать вслух: «Сегодня я смогу написать прекрасную картину». Мне важно не повторить точь-в-точь предмет, который я хочу написать, а именно позволить краске самой зазвучать на холсте, проявить себя без давления, чтобы она ложилась легко, а не вымученно. Внутренний критик может шептать: «У тебя не получится, ты напрасно тратишь время на эксперименты». Я же пытаюсь изменить эту фразу и повторяю себе: «Я могу написать картину лучше», и эта фраза может прозвучать как инструкция к действию - разрешение быть несовершенной, позволить себе ошибаться и продолжать работу над картиной. Когда я работаю с краской, она не должна для меня становиться врагом, а скорее проводником и даже вдохновлять меня. Настоящая работа над картиной - это постоянный выбор, который художник совершает каждую минуту: художник выбирает сюжет, цвет, размер холста. Иногда мазки на картине могут быть слишком яркие или слишком тёмные; цвет не должен приносить ощущение неудачи. А вы должны чувствовать движение вперёд, что у вас всё получается, ваш опыт работы как-будто сам помогает вам писать картины. И в какой-то момент картина начинает получаться лучше, чем была задумана. Это не просто картина, а попытка художника понять, как цвет или выбранная тема может говорить без слов с человеком, который на выставке будет смотреть на неё. Картина - это про доверие художника к себе, к своему выбору, к своим способностям. Можно ответить внутреннему критику: «Спасибо за замечания, я учту их, но мой путь - это мой путь». Когда к вечеру я собираюсь выходить из мастерской, ехать домой, ко мне в голову приходит ещё одна мысль: важно научиться слушать себя. Если позволить себе идти этим путём - писать каждый день, работать, делать то, что нравится, создавать работу за работой, то рано или поздно в моих картинах появится голос времени, в котором я живу. Как запомнят нас, художников XXI века? Закрываю дверь на ключ, снова произношу фразу: «Я могу написать прекрасную картину». Я знаю, что эта фраза не исчезнет, пока я не перестану верить в неё!

Задайте себе вопрос: имеет ли значение в каком году, в какое время года, в какой среде написана ваша картина и какие события тогда происходили? Картина, написанная в конкретном году, выражает именно тот год - отрезок пути художника, к которому пришла идея и который её воплотил. Для проведения новой выставки вам нужно достать картины из среды, в которой они рождались, где прибывали длительное время и передать их зрителю в новом контексте. Чаще всего художники выставляют свои картины в галереях, где белые покрашенные стены, а вы не думали, что можно поместить вашу картину в более интересную среду, хотя бы на фото поэкспериментировать, вытащить картину из привычного контекста и поместить в новое пространство, которое будет отличаться от привычного? Даже если картину повесить в другую комнату, она может начать проявлять себя по-другому. По-новому она проявляет себя и на разных площадках. В картине рождаются и перерабатываются смыслы в процессе контакта с пространством и людьми. Когда коллекционер покупает вашу работу, он вырывает её из контекста, в котором она создавалась и в котором пребывала, если она была частью серии, над которой работал художник. Коллекционер выбирает вашу работу и помещает её в новый контекст, руководствуясь тем или иным принципом коллекционирования. Коллекционер может собирать космизм, сюрреализм, женское искусство или другое направление, объединенное единым замыслом. В этом смысле каждая новая среда для вашего искусства – это новая интерпретация.

Вы можете использовать, как инструмент, фиксацию на своих картинах — описание процесса написания, то, что мотивировало вас на создание картин и документирование готовых работ. При помощи социальных сетей и сайтов по продаже картин вы можете размещать картины, словно слои (пласты) памяти, описывая их по сериям, годам, идеям, рассказывая о материалах, с которыми работаете, ваш колорит и т. д. Основные способы фиксации — это фотографии, подробное описание ваших работ, чертежи, схемы развески и видеоматериалы. Без вашего активного участия никто не сможет возобновить изначальную идею: многое о том, что связано с картиной останется неизвестным и со временем утратится. Если вы создаете работы, пишите картины, серии картин, участвуете в выставках, активно ведёте социальные сети, архивы, то можно сделать деконструкцию вашей старой идеи, которая была задокументирована и создать уже абсолютно новый проект.
Когда вы подробно описываете своё произведение, вы наделяете его новым смыслом, эта информация хранится на сайтах, в каталогах, архивах и становится доступной для пользователей. Картина с историей может вызвать неподдельный интерес у коллекционера, он будет обладать и описанием картины, которое вызывает ассоциации, раскрывает тему и контекст. Таким образом он может купить не одну, а несколько работ, связанных единой темой, которая ему понятна и откликается.
Тот мир, который вас окружает сейчас, является вашим контекстом того, что вокруг вас: какие книги вы читали, какие выставки вы посещали, какие разговоры вели, которые формировали ваш взгляд автора.
Когда вы участвуете в выставке, то создаете новую историю своих произведений. Вы увеличиваете значимость каждой картины, смотря на нее под новым углом, в разных локациях, наделяя ее новыми смыслами. Происхождение вашей картины очень важно: где картина была написана, в каком году, из чего создана, где она выставлялась и т.д.
Время, в котором вы живёте — это поле для экспериментов. Вы никогда не думали: как вас запомнят, художников XXI века? Именно через реконструкцию вашего пути - описание процессов, ответственность за архив, активность в публикациях, участие в выставках вы строите свой образ художника, который будет существовать вне времени. Наши идеи, эксперименты и выставки очень важны, поэтому мы должны заниматься реконструкцией того, что мы делали, описывать свой путь, чтобы было, как можно больше, информации о нас, как о художниках, думающих и творящих. Я «собираю пазл» своих выставок, вспоминаю яркие моменты, которые на них происходили, реконструирую события и размещаю статьи в социальных сетях. Интернет может быть инструментом для погружения в наше собственное творчество и для погружения в чужие художественные практики, для обмена опытом и взаимного обогащения. Как ещё можно использовать ваш архив? Архив — это то, что сохранится, то, что будет рассказывать о вас, как о художнике, обеспечивая связь между прошлым, настоящим и будущим. Чем больше информации о вас и о картинах, тем легче реконструировать память и передать ее новым поколением. Коллекции ваших картин, образов и серий нужно сохранять максимально полно, чтобы запомнились. Те картины, которые выдержат испытание временем, будут храниться в архивах. Они сохранятся только благодаря вашей личной инициативе и активности. Размещение на сайтах — это способ показать картину, описать её структуру и как она создавалась, реконструировать вашу память. Не теряйте важных смыслов картины, их можно легко потерять, и тогда ваши работы могут смешаться в единое полотно, без разделения по сериям. Когда мы, художники, описываем события нашей жизни, мы заново реконструируем память. И многие люди смогут узнать о ваших картинах, несмотря на географическую удалённость. Я думаю, если взять мою старую тему, например пейзаж и коллективное бессознательное, и деконструировать её, создать заново, увеличить в размерах, добавить новые способы самовыражения — эта выставка будет уже совсем другой и будет отвечать запросам времени, в котором мы живём. В этом и состоит одна из главных целей современного художника: не только создавать картины, но и помнить, хранить, делиться и постоянно переосмысливать свое творчество в контексте меняющегося времени.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

В конце лета я участвовала в коллективной выставке «Арт-ярмарка 6.0.» галереи А3 на Арбате, как художница. В августе я получила письмо, в котором Галерея А3 приглашала меня присоединиться к Арт-ярмарке 6.0. Я была безмерно рада, мне всегда нравилась их грамотная экспозиция, как они умеют подбирать произведения искусства и создавать особую атмосферу выставки. И вот моя картина "Невинность и совершенство " станет частью выставки в этой галерее! В тёплый летний день, 14 августа, мне нужно было привезти свою работу на такси. Картина не помещается в эконом класс, поэтому я везу свою картину на комфорт плюс. Мы ехали по центру Москвы, и я любовалась видами города: формой зданий, балконами, уличной жизнью и потоками людей. Галерея находится в историческом месте с привлекательными локациями, в этом доме жил знаменитый актер Василий Лановой.
Оформление документов оказалось простым. Нужно было заполнить договор в двух экземплярах: один остаётся в галерее, другой у художника. Мою картину увидела вживую художница среди других работ, расставленных на полу, и сказала, что сразу узнала мою работу по потрясающему цвету и движению мазков и то, что картина, действительно, мощная и нестандартная. Мне было очень приятно это слышать.
На открытие выставки я пришла вместе с фотографом, у которого была задача: снять людей на фоне картины для фотоотчёта. Благодаря этому у меня получилось поговорить с большим количеством гостей, они замечали оживление и активность вокруг картины подходили ко мне знакомиться и задавали вопросы об искусстве. Арт-ярмарка существует 4 года и зарекомендовала себя как место для живого общения между художниками и ценителями искусства. Когда мы только пришли, то не знали на какой стене висит картина и мы искали её по всей галерее, в которой два входа с улицы, и когда мы ее нашли, мне очень понравилось, что картина занимала центральное место на отдельной стене.
В одной из комнат галереи шла очень интересная выставка «Арбат в лицах» о людях, которые жили на Арбате. Выставка погружает в историю района, где каждый дом связан с именами великих художников, поэтов, музыкантов, актеров. Это помогает понять, почему Арбат остается символом русской культуры. И когда мы прошли все комнаты, как по лабиринту, я увидела, что рядом с моей картиной стоят три женщины и читают описание. Я подошла к ним, представилась и рассказала, что на картине выражены мои впечатления, воспоминания и ощущения от природы. В этот момент ко мне подошёл скульптор и произнес: «Вот это да! Какой у тебя пастозный, оригинальный, многослойный стиль!". Один из посетителей услышал, что я училась у Женевьевы Канто, ученицы самого Сальвадора Дали, и мы начали беседу о снах и сюрреализме. Сюрреализм всегда пытался выразить свои подсознательные мысли. Подсознание — это неисчерпаемый сундук сокровищ. Есть художники, которые это знают и готовы выйти за пределы логики, рациональности, правильности в своём творчестве, выйти за пределы скучной, повседневной реальности. Недавно, я изучала художника, который мне очень нравится, его зовут Джордж Кондо. У него есть видео, как он пишет картину, используя автоматическое письмо. У него так интересно получается: образы как будто сами рождаются у нас на глазах, абсолютно не по шаблону, а спонтанно. Также сюрреалисты изучали внутренний мир, он включает в себя эмоциональное, духовное, наши страхи и воспоминания. Наш внутренний мир формируется под воздействием семьи, города, в котором мы родились, и культуры. Для художников внутренний мир является источником мотивации заниматься творчеством. Почему в наше время так много художников? Да потому что люди уже рождаются с этим желанием создавать.
Один из посетителей начал размышлять о двусмысленности восприятия картин, как смотреть на картину вблизи или издалека? Он был уверен в том, что картину нужно смотреть издалека, оценивая общую композицию. Я же ответила, что вблизи вы наблюдаете технику исполнения, фактуру, мазки, слои краски, детали и мастерство художника, что нужно найти точку входа, и понять, что картина значит именно для вас.
Заранее, к выставке, я подбирала себе образ, который бы подчеркнул мою работу. Я готовилась к фотосессии и выбрала винтажные бусы. Их, часто замечали, и кто-то даже отметил, что я в них выгляжу как кинозвезда. Когда я их покупала, то подумала, что, возможно, это был реквизит для кино или театра.
За десять минут до кураторской приветственной речи к нам подошла девушка с фотоаппаратом и сказала, что можно будет художнику произнести свою вступительную речь. Почему-то в этот момент фотограф неожиданно отказался идти снимать, как художники произносят своё вступительное обращение. Возможно, всё его оборудование стояло рядом с картиной и ему нужно было отойти от него и подняться на этаж выше. Он не хотел, чтобы с оборудованием кто-то оставался, либо ему камеру нужно было долго настраивать. Причина не ясна, это непредсказуемый момент работы с людьми, когда фотографы работают по своим правилам или устают. Я сделала вывод, что в дальнейшем буду работать только с теми фотографами, которые мне действительно нравятся, которые умеют снимать людей и ясно понимают задачу.
На открытии выступал куратор Галереи А3 Пётр Баранов, за ним я взяла микрофон и произнесла своё короткое вступление. Я поблагодарила за возможность вдохновляться искусством и расти над собой. Этот вечер стал для меня уроком о важности живого диалога с аудиторией. С этой ярмарки я забрала незабываемые впечатления, новые знакомства и понимание того, как развивать свои проекты дальше. Я готова к новым открытиям и дальнейшему сотрудничеству с теми людьми, которые разделяют мой подход к искусству. В итоге вечер стал ценным опытом взаимодействия с аудиторией и коллегами. Это было действительно важное событие в культурной жизни моей столицы.
Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Когда художник сталкивается с вопросом: «Как продавать картины в интернете?», то ответ кроется в том, что нужно раскрыть замысел художника при помощи презентации картины и описания идеи, чтобы у покупателя не оставалось вопросов и возникла мысль о покупке. На сайтах покупатель видит только фотографию картины, поэтому описание должно быть вовлекающим, интересным, ёмким. С помощью описания создайте образ картины. Я, например, описывала, как появляется сила и энергия в моих картинах: «Я наносила слои густых мазков на холст без правил, без ограничений».
Допустим, на вашей картине изображена цветущая вишня - это тема весны, когда природа обновляется и расцветает. Унылая зима ушла и появились нежные лепестки.

Коллекционер может домыслить и придумать свою версию, поэтому оставляйте загадку для его размышления. Когда зритель всматривается и начинает размышлять о картине, он находится в роли творца и дополняет её своими мыслями и образами. Вам нужно сделать так, чтобы у покупателя возникла сильная психологическая связь с картиной, он должен увидеть в картине ассоциацию, связанную с его намерением в будущем или напомнить ему о прошлом.
Как он будет себя чувствовать, смотря на картину? Он испытает подъём энергии, может быть опасность и ощущение как он справляется с этой опасностью.
Если покупатель испытал чувство ностальгии, то он не захочет с картиной расставаться и совершит покупку.
Мне особенно запомнилась одна картина, которую у меня купили в интернете. Это был "Декабрист". У покупателя возникло чувство ностальгии, связанное с этим цветком, который цветёт в декабре.

Если вы хотите раскрыть тему ностальгии, то изложите ваши воспоминания в описании к картине – ваши незабываемые путешествия или опишите букет полевых цветов, который подарил возлюбленный. Лес может вызывать эмоцию предвкушения неизвестности, может символизировать всеобщее бессознательное, вырубку леса, проблемы с экологией. Природа - вечнозелёная тема со множеством смыслов. Какие эмоции ваша картина вызывает у вас? Какие эмоции она может вызвать у зрителя? Опишите на бумаге всё, что вам пришло в голову, ваш поток сознания. Можете рассказать историю, как вы создавали картину, работали над определенной темой, может быть эта тема волновала вас уже несколько лет. Затем вычеркните всё, что не подходит, оставьте самое важное, эмоциональное, цепляющее. Подключите своё воображение и представьте, как бы вы рассказывали покупателю о своей картине. Как выглядит картина? Что на ней изображено?

Подумайте, какие чувства вызывает у вас ваша картина, успокаивает, исцеляет или пугает. Картина может вызывать различные чувства, сильное желание, удивление. Почему вам хочется смотреть на картину и разглядывать её? Какие образы изображены у вас на картине? Может быть это многоуровневая картина, в ней можно увидеть, солнце, вибрации, движение, женское и мужское, тёмное и светлое, не один смысл, а сразу несколько. Они могут быть противоположными друг другу, полярными. Заставьте каждое слово в своём описании к картине работать на результат. Пытайтесь писать без внутреннего критика, по интуиции, опишите свой художественный опыт. Художник, который описывает свои картины досконально, действительно пытается передать свои инсайты людям, интересующимся искусством. При помощи слов вы можете расширить понимание вашего искусства. Ваша цель - сделать человека фанатом вашего творчества, влюбить его в ваши картины, чтобы человек купил не одну картину, а продолжал интересоваться вашим творчеством и, периодически покупал ваши картины. Покупатель должен восхищаться и, действительно любить картины, которые купил у вас, у него должны быть стойкие позитивные ассоциации с покупкой картины.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

1 Связь человека и природы
На картинах мы видим женский образ, девушку, которая испытала резкий испуг и ее сковывает страх. Травы и деревья переплетены с её нервами и мышцами, создавая ощущение, что природа и человек — единое целое. Девушке нужно сделать шаг навстречу своему страху, войти в него, пройти через него, чтобы выйти из своего ступора. Только тогда страх сможет исчезнуть, уступив место свободе и внутренней гармонии.

2 Внутреннее содержание
Художница исследует на своих картинах тему пересечения внешнего и внутреннего, того, что за гранью привычной формы. Необычные ракурсы и искажённые формы создают акцент на внутренней сути человека. В работах достигается глубина с помощью фактуры и наслоения мазков. Цветовая палитра варьируется от насыщенных ярких до приглушённых тонов.
Основной смысл произведений в том, что настоящая личность человека гораздо сложнее и многограннее, чем его внешность. Художница стремится показать, что за внешностью скрываются эмоции, мысли, тайны, переживания человека, которые остаются невидимыми для окружающих. Пересечение внутреннего и внешнего символизирует границу между тем, что мы показываем миру и тем, что скрываем внутри.

3 Параллельные реальности
Художница Екатерина Лебедева задумывается о существовании параллельных реальностей, каждая из которых может быть уникальной и неповторимой. В других реальностях всё может выглядеть иначе: цвета могут быть ярче, небо зелёное, деревья розовые, формы необычные. Окружающий мир, в параллельных реальностях может удивлять своей необычностью и разнообразием. Параллельные реальности - это гипотетические миры, существующие одновременно с нашим, но, при этом они чем-то могут отличаться. Согласно квантовой механике каждое событие происходит в отдельной ветке реальности, например если вы выбираете между двумя вариантами, в одной из реальностей вы уже делаете этот выбор, а в другой - второй. Все эти варианты происходят одновременно, создавая бесконечное множество миров. Наш мир - это результат наших выборов, решений и поступков. Художница Лебедева представляет путешествие в эти альтернативные миры и открывает перед собой новые горизонты, что позволяет ей увидеть границы собственного восприятия.

4 Абстрактные пейзажи
При написании пейзажа художница Екатерина Лебедева стремится соединить реальность с миром подсознания. Пейзажи создаются без предварительных набросков, с натуры, что придаёт таким картинам особую спонтанность и живость, расширяет традиционное понимание пейзажа. Екатерина Лебедева превращает его в символ бессознательного, в особое пространство, где скрытые чувства и неосознанные образы находят своё отражение. В работах Екатерины Лебедевой лес выступает не просто как природный элемент, а как метафора внутреннего мира, таинство скрытого и его многогранность, место где находятся неизведанные аспекты нашей личности. Художница стремится, чтобы зритель мог не только наблюдать, но и погрузиться в атмосферу картины, наполненную внутренней энергией. Художница создаёт не просто пейзажи, а визуальные медитации, в которых мазок, штрих, линия, цвет могут служить ключами к пониманию своего внутреннего мира. Её картины - это диалог между внешним и внутренним, между реальностью и подсознанием, приглашение к размышлению о том, что скрыто за видимым и о том, как природа может стать отражением наших самых сокровенных переживаний.

5 Симбиозы и гибриды
В творчестве Екатерины Лебедевой одна из тем - это соединение разных существ в одном. При помощи своей фантазии художница исследует границы возможного и воображаемого. На полотнах рождаются удивительные существа, где два или даже три организма сливаются в единую целостность, создавая новые формы. Представьте себе лошадь с крыльями и клювом попугая или человека с кошачьими глазами способного видеть в темноте. Художница словно приглашает нас задуматься о том насколько возможна трансформация и какие при ней могут появиться новые качества. Екатерина Лебедева словно создаёт новые цивилизации, где границы между видами стираются. В воображении художницы рождаются существа, которые могут летать, сверхбыстро бегать, видеть в темноте. В её искусстве гибриды становятся проявлением идеи о том, что развитие и эволюция возможны через объединение и синтез. В картинах Екатерины Лебедевой симбиозы и гибриды не просто фантазии - это символ внутренней силы, которая рождается в результате взаимодействия различных способностей.

6 Анимализм, животные как метафора
Одна из любимых тем в творчестве художницы Екатерины Лебедевой - это писать животных. На своих полотнах она передаёт красоту и характер животных: кошек, собак, птиц, насекомых, волков, лисиц, львов, гепардов.
В древних культурах изображения животных занимали особое место. В древнем Египте, например, животные часто несли религиозный и символический смысл, являясь олицетворением духовных сил. Эти изображения могли быть наполнены мистикой и глубоким смыслом. Для Екатерины Лебедевой объектом вдохновения становятся и те животные, что живут рядом с ней. На картинах изображены домашних животные, за которыми она ухаживала: волнистый попугай, кошки, собаки. Эти животные не только вдохновляют художницу, но и занимают особое место в её сердце. Её картины - это мост между человеком и природой, напоминание о том, как важно ценить и беречь окружающий нас мир.

7 Абстрактные цветы
В работах Екатерины Лебедевой тема цветов занимает особое место. Её путь в искусстве начался, именно с написания цветов. Одна из первых её картин "Розовая фиалка", за которой последовали "Азалия", "Иван-чай", "Золотая розга" и другие яркие, насыщенные цветочные абстракции, способные передать красоту и энергию цветов. Эти произведения стали для Екатерины Лебедевой отправной точкой, моментом, когда она почувствовала себя настоящей художницей. Для передачи настроения и внутреннего мира цветка она использует цвет и фактуру. Художница пишет цветы свободно, с внутренним порывом, не ограничивая себя строгими правилами, а наоборот позволяя себе экспериментировать с формой, цветом и движением мазков. В палитре Екатерина Лебедева использует яркие насыщенные мазки, которые вибрируют, наслаиваясь друг на друга, создавая энергию и живость на картинах. Художница предпочитает, при написании цветов, сосредоточиться на красоте цвета чтобы передать жизнь цветка. В этом заключается особенность творчества Екатерины Лебедевой. Она создаёт не просто картины с цветами, а эмоциональный и духовный опыт, позволяющий зрителю почувствовать энергию и магию живых мазков. Абстрактных цветы Екатерины Лебедевой - это размышление о красоте, о быстротечности жизни, об обновлении и возрождении.

8 Абстрактная фигура человека
Одна из тем художницы Екатерины Лебедевой - это абстрактное изображение фигуры человека. На холстах эти изображения, одновременно, узнаваемы и, в то же время, остаются неузнаваемыми. Художница погружается в себя, в бесконечный океан образов, где мысли и чувства текут свободно и непредсказуемо. Художница Екатерина Лебедева фиксирует свои озарения, сначала на бумаге, потом на холсте. Разум человека склонен к рациональным объяснениям и правилам, подсознание же - это территория метафор. Художница считает, что возможности работы с подсознанием безграничны, там есть личный и коллективный опыт, архетипическая память и предчувствие. Художница разрешает этим образам материализоваться на своих холстах, без внутреннего критика. Каждая абстрактная фигура рождается спонтанно, и поэтому сохраняет живость и уникальность рисунка. Произведения могут работать как зеркала, возвращая зрителей к личным ассоциациям. Художник Екатерина Лебедева считает, что в человеке заложено намного больше, чем кажется, на первый взгляд и искусство способно заглянуть в эти глубины и вывести инсайты на свет.

Во Франции я получила незабываемый опыт написания картин на пленэре и хочу рассказать вам о нем. Лучшие места для пленэра я находила около шато, прибрежных сосен и тысячелетних олив. Место мне подходило максимально дикое, чтобы находиться наедине с природой, дышать полной грудью свежим воздухом и чувствовать аромат пожухлых осенних виноградников. Мы выезжали на пленэр несколько раз в красивые места. Во Франции всё разделено на частные владения, поэтому было страшно, что в любой момент может выйти хозяин с собакой. Но только один раз мимо места, где я писала картину, проезжали на кабриолете хозяева. Они остановились и долго смотрели как я работаю, потом поехали дальше. Когда я пишу картину на пленэре, то наблюдаю за природой, за её оттенками, за освещением, за вдохновляющей гаммой красок. Мне очень нравятся цвета и атмосфера французских виноградников.
Как я не пыталась найти укромные места, где тишина и дикая природа, всё равно рядом проходили или пробегали французы и здоровались со мной. Все французы очень любят бегать. Ну всё-таки мне удалось найти несколько природных ландшафтов, где я почувствовала связь с историей Прованса и невидимым потоком времени.
Первое место было рядом с тысячелетней оливой. Она стояла на вершине холма, её освещало солнце. Рядом раскинулись живописные виноградники. Эта олива показалась мне священной. Величие древнего дерева завораживало, превращая его в символ вечности и красоты.
К пленэру я готовлюсь заранее, выбираю цвета, которые могут понадобиться, делаю выкрасы. Во Франции в Бандоле я скупила всю текстурную моделирующую пасту и писала ей. Заранее покрывала краской фоны, перед выездом на пленэр. Мне доставляло огромное удовольствие пробовать новые французские материалы, пасты, краски смешивать их.
Пока солнце не село, я старалась работать быстро и писала по две картины за раз. Мне хотелось запечатлеть изменяющееся освещение и неповторимые ощущения от золотистых виноградников, бесконечного простора полей, красоты приморских сосен и величия гор.
Пленэр во Франции стал очень популярным в XIX веке, благодаря импрессионистам, которые стремились написать мгновение и своё впечатление от природы. Этот их опыт оказал на меня огромное влияние. Я подумала: раз уж я нахожусь во Франции, то, обязательно, должна пойти на пленэр и написать яркую картину. Пленэр помогает художнику быстро развивать наблюдательность, свою технику свободных, живых мазков, быстрого написания картины. Мне на пленэре хочется сделать картины более абстрактными. Я считаю, что природа для этого идеально подходит.
Во время пленэров я, по-настоящему, отдыхаю и сердцем, и душой. Для меня это настоящий творческий отдых. С помощью пленэра я погружаюсь в изменённое состояние сознания, глубже чувствую природу и сливаюсь с ней. Во время пленэров я стараюсь писать природу как можно более свободно и живо. На свежем воздухе картины получаются более живыми, свободными от скованности и передают дух природы.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Перед подготовкой к выставке "Жар творчества " возникла идея сделать яркий, запоминающийся перформанс с огнём, чтобы придать большего эффекта открытию выставки и посмотреть на реакцию людей. За день до открытия мы провели пробный эксперимент на лестничной площадке Artplay, при этом всё согласовав с руководством. Мы хотели материализовать свою фантазию, зафиксировать момент вспышки огня на картине и показать этим жестом, что искусство не горит. Когда действие происходило я не знала, что будет с картиной, поэтому это было волнительно и для меня тоже, случайность играла важную роль.

В то время в Пушкинском музее шла выставка китайского художника Цай Гоцяна, который работает с огнём и порохом. Вдохновившись его опытом, я подумала, что сделаю что-то подобное на своей выставке, поэтому я решилась поджечь свою картину. Художник может по-разному уничтожить свои работы, например разрезать, но, когда вспыхивает пламя — это как мистерия очищения и обновления духовного и материального. Также мой перформанс символизировал, что настоящее искусство нетленно, его нельзя уничтожить и запретить. Истинные идеи не могут быть ликвидированы ни огнём, ни хейтерами, ни злобой - ничего не значащей оценкой обывателя или "эксперта". Сама идея вечна, тем более, когда она воплощена в жизнь, её зафиксировали на камеру и, важно, что её увидели зрители. Идея может изменить людей, которые пришли посмотреть на перформанс. Человек меняется каждый день, иногда осознанно, а иногда без понимания того, что происходит. Когда всё внимание зрителей сосредоточено на огне, он является реальностью, которая происходит здесь и сейчас.

Мне было важно подвести итог моей профессиональной деятельности за 10 лет: очиститься и освободиться. Очиститься от того, что было для того, чтобы дать свободу новым идеям и продолжить с новой силой. Ещё огонь символизирует разжигание внутреннего огня, чтобы продолжать творить, гореть огнём вдохновения.
На следующий день на открытии выставки в назначенный час собрались гости. У нас был запланирован розыгрыш и люди записывали свой номер телефона на листок бумаги и бросали этот листок в прозрачную вазу. Никто из присутствующих не знал какой будет приз, потому что картина была скрыта под бумагой. После торжественного открытия людям объявили, что сейчас будет перформанс и публика собралась вокруг, скрытого бумагой предмета. Мы выключили музыку, чтобы была тишина, все замолчали в ожидании того, что будет дальше. Пламя вспыхнуло, бумага загорелась и когда она прекратила гореть всем наблюдавшим за действием открылась взору яркая, абстрактная картина. Фотографы смогли запечатлеть этот момент на быстрой съёмке. Этот перформанс был кульминацией выставки. Картина воспламенилась и Жар Творчества вспыхнул с ещё большей силой!
В это событие были вовлечены зрители и они получили яркие впечатления. Ребенок выбрал в вазе листочек с телефоном и картина была подарена женщине, которая призналась, что никогда ничего не выигрывала, она не ожидала такого подарка и была очень взволнована. Все задуманное получилось и для меня открылись новые горизонты для самовыражения.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Творчество играет важную роль в повседневной жизни. С помощью творчества вы развиваете свои личные качества, улучшая каждый новый день, справляясь со стрессом и находя новые способы решения задач. Художник обращает внимание на красоту окружающего его мира, замечая детали и символы. Эта способность присуща многим творческим людям с рождения, у них есть потребность в свободе самовыражения. В повседневной жизни, по сути, каждый день вы делаете одно и то же. С помощью фантазии можно развивать нестандартный подход к решению ежедневных задач. Вы можете пойти в новое место, попробовать новую еду, пойти новой дорогой. В детстве наша оригинальность ничем не стеснена, она абсолютно свободна от строгого рационального мышления. Во взрослом возрасте творчески независимый подход может быть усилен в сотни раз. Если вы много работаете, применяя свою творческую энергию, то нарабатываете новый опыт и становитесь решительнее и смелее в своей работе с каждым днём, при этом осуществляя свои идеи в живописи, графике, скульптуре. Чтобы быть конкурентоспособным вам нужно уметь генерировать нестандартные идеи и воплощать их в жизнь.
Любая тревога полностью исчезнет, если вы, во время созидания, максимально сосредоточитесь на задаче. Я абсолютно уверена, что творчество может исцелять невроз. Если описывать и прорабатывать триггерную ситуацию, которая вас беспокоит, то постепенно можно снизить давление и стресс. Когда я креативно решаю задачу, творю, то переключаюсь с обычного жизненного ритма на размеренный творческий процесс, таким образом успокаиваюсь. Ваше творчество выражает как вы себя транслируете в этот мир. Каждая линия и штрих – это выражение эмоций и чувств автора. Ваше самовыражение проявляется в образе жизни, в вашем стиле, в вашем вкусе, который зависит от насмотренности, какие картины вы видели на выставках, какие книги вы читали. Самовыражение и чувство вкуса относятся к эстетическому восприятию и гармонии всего, что вас окружает. Творчество развивает чувство вкуса и то, чему вы уделяете внимание: от фотографирования до создания интерьера и уюта в доме. Умение видеть красоту вокруг развивает способность находить радость в мелочах.
С помощью проявленности, демонстрируя свои работы, можно увеличить социальные связи, то есть знакомиться с интересными творческими людьми, видеть других художников, сотрудничать с ними, создавать захватывающие проекты, принимать участие в Open Calls и резиденциях. Тем самым вы выработаете эмпатию и научитесь работать в команде. Такие знакомства способствуют творческой карьере.
Занятия творчеством помогают лучше усваивать информацию. Три года я создаю контент, снимаю видео и пишу статьи. Для этого мне необходимо много новой информации. Это положительно повлияло на развитие моей памяти. Я быстрее запоминаю фразы, стихи для расширения кругозора и остроты ума, что дает чувство гордости за свои усилия и результат.
Через творчество можно передать мысли и идеи, создавая серию на волнующую тему. Фиксируя время, в котором проживаем, можно, как можно больше выразить то, что мы были на Земле. Каждое творение — это свидетельство нашего существования. Творчество — это очень сильный инструмент для развития уникальности жизни.
Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Мне часто задают вопрос: Какие материалы вы используете при написании картин?- Больше всего мне нравится использовать в своей работе, именно масло, оно хорошо смешивается, и получаются очень красивые оттенки и переходы цвета. Я, обычно, покупаю масляные краски Ладога и Гамма. Масляную основу я готовлю сама и добиваюсь той густоты и текучести, которая мне нужна. Смешиваю в пластмассовом ведре, с помощью дрели, масляную основу и сиккатив. Такая краска позволяет мне создавать текстуры, объём, иллюзию движения мазков. Холст я покупаю в магазине по продаже тканей из льна. Мне очень нравится его выбирать, каждый раз беру новое плетение. Холст натягиваю на подрамник сама, с помощью клещей (специальных щипцов) и степлера. У меня есть своя технология натягивания холста, чтобы избежать провисания и складок. Дальше мне нужен грунт для того, чтобы обеспечить хорошее сцепление краски с холстом. Я покрываю холст прозрачным акриловым грунтом в два - три слоя. Когда работаю над картиной чаще всего использую мастихины разных размеров, ими очень хорошо создавать объём и наслаивать краску. Ещё у меня в работе присутствуют кисти круглые и широкие, ножи, шпатели, тарелки, две деревянные палитры: одна маленькая, другая большая. Вот такими материалами и инструментами я пользуюсь много лет.

Давно хотела составить список художников, которые на меня повлияли и вдохновляли. Мне нравится, когда художники используют яркие цвета, когда в их картинах есть динамика, движение, внутренний посыл, многослойность.
1 Джоанн Митчелл очень вдохновляет своими хаотичными плотными, прозрачными, сине-зелёными мазками. У неё картины очень природные, но не изображающие конкретные пейзажи, скорее, это её воспоминания о природе.
2 Сесили Браун. Мне нравится её масштабность и методы работы с краской. Энергичные мазки розовых, красных, телесных тонов, на полотнах фигуры, как будто-то движутся, сливаясь и переплетаясь с абстрактными формами. Её картины мне напоминают сон. Когда просыпаешься, ощущение после сна ещё присутствует какое-то время, потом образ становится всё более размытый.
3 Наталья Турнова. Меня восхищают её портреты крупным планом, лица, как она берёт яркие насыщенные цвета и большими мазками создаёт серии картин, чтобы раскрыть темы, которые её интересуют. Я понимаю, что справиться с такими насыщенными цветами очень сложно и при этом работать циклами. Для этого нужна огромная воля к написанию картин, тем более в таких больших размерах.
4 Ольга Тобрелутс. Благодаря идеям Ольги, я стала задумываться об использовании искусственного интеллекта, как соавтора. Я была на её выставке в фонде «Екатерина» и вдохновлялась разноплановыми идеями художницы.
5 Фрэнк Ауэрбах. После того, как я увидела его картину, изображение повёрнутой головы, она очень сильно на меня повлияла и мне уже хотелось писать свою версию портретов. Нравятся его смелые объёмные слои масляной краски. Его картины состоят из сложных текстур, которые оживают, приобретая присутствие потустороннего.
6 Джорж Кондо. Мне нравится его смелость, наслоение вымышленных образов, странные существа, искажённые фигуры, как архитипическая фигура человека превращается в мир гротеска. Его картину я в первый раз увидела на аукционе и подумала, что это мощное искусство.
7 Валерий Кошляков. Была на выставке в Музее архитектуры имени А. В. Щусева и с тех пор являюсь его фанаткой. Мне нравятся его античные города, наслоение культур, руины, люстры, канделябры, подтёки краски.
8 Марк Шагал. Обожаю его смелость, и неуёмную фантазию, как на своём автопортрете он написал семь пальцев, его перевёрнутые головы или люди которые парят над землёй. Яркие цвета в его картинах насыщены символизмом, зелёный цвет - это цвет природы и вечного обновления, а синий - это цвет Богоматери и так далее. Когда мне не хватает вдохновения, я смотрю на его картины, чтобы быть смелее в цвете. Я читала его автобиографичную книгу "Моя жизнь", понравилось то, что он всегда оставался собой.
9 Пабло Пикассо. Очень вдохновляет, что он воплотил в своих работах новаторские идеи своего времени, всегда экспериментировал со своей техникой и стилем. Видела живьём его картины, одна из них "Дора Маар с кошкой" - нереалистичное изображение, смесь сна с реальностью, искажённые формы и пропорции. Я читала несколько его биографий, набиралась у него настойчивости.
10 Виллем де Кунинг. Очень нравятся цвета, которые он использовал для передачи эмоций. Особенно запомнилась его "Женщина III" -полнейшее отсутствие правил и борьба с краской на холсте. Смотришь на маленькие фотографии, представляешь его огромные картины, динамику, экспрессию, цветные пятна.
На самом деле художников, которые на меня повлияли намного больше, чем десять.
У вас может быть свой список, напишите в комментариях своих любимых художников

Вдохновение может врываться в вашу жизнь, когда вы его не ждёте, мотивировать вас на новые победы. Когда придёт вдохновение вы узнаете его, ощутите радость, вас отпустят заботы и тревоги и вы почувствуете себя спокойно и уверенно. Источником вдохновения может послужить любая мелочь, масса всего может вдохновить художника.
Творческий человек, художник периодически думает над тем, как создать среду, в которой возможно творить и заниматься исследованиями новых тем и инсайтов. Когда пришло вдохновение, художнику нужно быть в активном желании делать что-либо, чтобы запечатлеть его, схватить эту идею, записать или зарисовать, перенести свое состояние на холст. Конечно, лучше идею записать или запомнить, потому что, если это, действительно, особенная идея, она вас не будет оставлять, а будет преследовать во снах или в повседневной жизни, пока вы не воплотите её в картине или скульптуре. Вдохновение несёт с собой энергетическую волну. Когда у вас появился энтузиазм для работы, оно придает силы, наполняет душу для последующих действий над возникшей идеей, чтобы она воплотилась в реальности. Я бы сказала, что эта энергия поселяется в картине и в скульптуре, как сгусток силы и зритель считывает те картины, которые написаны по вдохновению. Это видно по лёгкости мазка по эмоции. Мы художники можем запомнить это состояние вдохновения и в процессе работы возобновлять в себе эти чувства, ощущения, образы. Художник может выхватывать эти образы из повседневности и копить их, чтобы в нужный момент доставать и применять. В нашем воображение заложен след будущих картин и вдохновение дает энергию, чтобы его высвободить.
Можно вдохновляться чтением выписывать, понравившиеся символы, образы, инсайты, мысли, которые вам пришли во время чтения, стараться их переосмыслить, изменить контекст. Вложив в произведение искусства ценность идеи, которая вас озарила.
Когда художник начал работать над своей идеей, его ничем не остановишь, он идёт как танк. Я считаю, что не нужно ждать вдохновения, оно придет к вам внезапно и невпопад, когда вы его не ждете. У меня часто приходит вдохновение, когда я закончила картину и мне хочется приступить к новой, появляются мысли как сделать лучше? Тогда нужно постараться сразу сделать ещё один вариант картины. Даже в процессе работы, может прийти мысль, которая может захватить и не отпускать художника, полностью его поглотить.
Мне вспомнились художники на Винзаводе, которые в воспоминаниях описывали как они неделю расписывали стены в технике мурал, не спали, были полностью поглощены своим замыслом.
Есть моменты в работе, о которых долго думаешь, но никак не можешь к ним приступить: ноги не идут, руки не делают. Потом раз и за один момент всё получилось наилучшим образом. Когда приходит вдохновение сложная задача решается намного легче, чем казалось, как внезапное прозрение. И можно вздохнуть спокойно. Вы не могли бы бросить эту картину, пока не закончите её, а если вы не закончите картину, будет большой откат назад и вы не сможете продвинуться вперед. Желание что-то сделать, написать сдерживать нельзя.
Ещё может что-то особенное присниться и во сне вы испытаете сильное чувство и, какое-то время, когда проснетесь, это чувство может ещё присутствовать, вы даже, можете не запомнить сон, но чувство останется, например радость в душе. Сильное впечатление от сна запоминается.
Для вдохновения я рекомендую ходить на различные выставки, чтобы не зацикливаться на своей повседневности. Вас могут вдохновить художники своим трудом и целеустремленностью на новые идеи. Другие творческие люди и их идеи очень вдохновляют. Полностью не нужно заимствовать идеи, но ходить и вдохновляться, видеть в работах свой отклик, очень полезно. Заряжаться творческой работой других людей. Сейчас существует множество разных направлений в искусстве, можно увидеть другое, радикально отличающееся от вашего. Изучение через погружение в разные темы, даже страшные и отвратительные, могут вдохновлять.
Когда к вам придет вдохновение, оно вас, как будто озарит светом и вы почувствуете уверенность и будете знать что делать дальше.
Подумайте о чём вы мечтали когда были детьми? Где вы ещё не были? Что вы ещё не видели? Сколько произведений вы ещё не создали, и что вам предстоит их создать. Каким вы станете художником, когда пройдёте всё это и воплотите задуманное. Если вы представите весь этот масштаб, то к вам, обязательно, придёт вдохновение. Постарайтесь поддерживать в себе состояние молодости и желания мечтать, познавать, учиться, добиваться желаемого и радоваться этому.

При подготовке к выставке на Artplay, я размышляла над тем, как сделать экспозицию более заметной и интересной для зрителя, а так же как использовать по максимуму арендованное пространство. Я хотела украсить зал и прорабатывала несколько вариантов, но потом ко мне пришла идея создать арт-объект. Это было абсолютно новой задачей, никто из знакомых художников такого не делал. Именно мои объёмные картины навели меня на мысль, что можно утрировать их размеры и показать глубину. С помощью современных технологий это стало возможно. У меня всегда была идея: увеличить и рассмотреть красивые мазки на картине и она решилась органично. Я создавала арт-объект из своей картины. Я хотела погрузить посетителей выставки в другую реальность, чтобы они оказались в увеличенной картине. К работе был привлечен дизайнер, мы разработали проект, выбрали картину, на ней был изображен лес: березы и сосны, разделили её на несколько частей и сделали трёхмерной. Фотографию картины мы увеличили в ширину, в высоту и раздвинули участки картины по глубине основания арт-объекта, чтобы за них могли заходить люди. Нам нужна была качественная печать и мы нашли фирму, она занималась декорациями и рекламными щитами. По чертежам дизайнера арт-объект был выполнен в срок, к открытию выставки. Готовый арт-объект мы установили на второй этаж, чтобы он был виден с первого этажа, где была кофейня, и там часто обедали студенты киношколы и школы дизайна –творческие люди.
Когда арт-объект установили, он занимал большое пространство и был выше человеческого роста, я испытала чувство двойственности, что он может перетянуть на себя внимание от картин. Но мои опасения развеялись - арт-объект завлекал людей, которые даже не знали о выставке, но увидев арт-объект, поднимались на второй этаж и удивлялись, что здесь выставлены объёмные картины, порядка 30 штук.
Лес символизирует внутреннее убежище, можно наладить связь со своим внутренним я. У посетителей выставки возникали различные мысли, например, что они животные в лесу. Какое животное могло бы жить в таком лесу и пробегать по этому месту: волк, медведь, лиса или заяц?
Кто-то предложил сделать фотосессию в стиле ню и, даже, нашлись желающие, но идея не была воплощена.
На выставку пришла журналистка, чтобы записать со мной интервью. Она долго смотрела на арт-объект, ей удалось отключить свою рациональность и обратиться к тому, что она чувствует. Вдруг она говорит: «Какую же фантазию нужно иметь, чтобы такое написать». Она увидела фаллические символы в картине. Когда я рассказала об этом галеристке , она сказала, что не видит ничего такого, это только её проекции. Крупные экспрессивные мазки призывают к свободе и фантазии. Картина раскрывается абсолютно по-другому с нового угла, когда видишь её больше и объемнее.
Каждый посетитель хотел сфотографироваться внутри картины. На выставке у нас была стратегия: люди должны фотографироваться с картинами и с арт-объектом и размещать фотографии в своих соцсетях. Мы добились своей цели, работа увлекала людей, они фотографировались, делали селфи по отдельности и группами в арт-объекте.
Если бы мне дали полную свободу действий, я бы принесла на Artplay вёдра с краской, дала бы всем участникам кисточки и у них была бы прекрасная возможность поучаствовать в перформансе: изобразить буйство ярких красок на арт-объекте и продолжить эту тему природы. Всё бы это действие фиксировалось на видео.
На открытии выставки было проработано музыкальное сопровождение, работал диджей, который задавал ритм.
После того, как я создала свой первый арт-объект, я узнала, что нет равнодушных людей к искусству, что все, кто видел этот арт-объект, проявляли к нему интерес. Я поняла, что с помощью фабрик можно создать произведение искусства, погружать зрителей в новую реальность, утрировать в несколько раз своё искусство, экспериментировать, менять размер картины, сделать ее объемной. Можно абсолютно всё, по заранее разработанному сценарию, но результат будет непредсказуемым. Ко мне пришло осознание – то, что художник считает произведением искусства, то им и является. Нужно иметь смелость называть себя художником-творцом и считать себя таким.
Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.